El artista Sigrun Gunnarsdóttir nació en 1950 en el pueblo de Eiði en las Islas Feroe. Aquí es donde creció y donde su interés por las artes visuales comenzó en la infancia. En Eiði, también desarrolló su propio universo artístico altamente distintivo como artista profesional.
Las pinturas de Sigrun Gunnarsdóttir son simples pero complejas al mismo tiempo. Interactúan con nosotros en tonos silenciosos, lo que nos impulsa a reflexionar. Trabaja con temas de la vida cotidiana, haciendo una plétora de preguntas existenciales. Los motivos de Sigrun tienen su origen, entre otras cosas, en aventuras y leyendas, en la comunicación intergeneracional, en Groenlandia y en historias familiares y personales.
Sus primeras obras muestran claramente que domina plenamente un estilo pictórico naturalista, pero a mediados de los años 90 se adentró en un universo artístico de símbolos con una expresión más directa que también puede tener un trasfondo surrealista. Desde entonces, ha estado desarrollando un universo pictográfico distintivo. Se aparta del tema que tiene delante y la pintura evoluciona a partir de sus propios procesos de pensamiento.
Desde su infancia Sigrun Gunnarsdóttir se interesó por el dibujo. Crecer para ser testigo del trabajo y escuchar los relatos de su abuelo, Niels Kruse (1871-1953), el primer paisajista de las Islas Faroe, fue de gran importancia en su vida. Sigrun siempre supo que quería ser artista, y en sus esfuerzos artísticos contó con el apoyo de su hogar. En 1971, a la edad de 21 años, se trasladó a Copenhague para asistir a la Escuela de Dibujo Glyptoteket (1971-73) con Robert Askou Jensen como profesor. Él animó a su alumno a presentarse a la Real Academia Danesa de Bellas Artes. Fue admitida y estudió en la Academia en el período 1973-1980. Sus profesores fueron, entre otros, Wilhelm Freddie y Sven Dalsgaard. En 1980 Sigrun se estableció en Eiði, donde ahora tiene su estudio.
En su carrera, Sigrun Gunnarsdóttir ha realizado una gran variedad de exposiciones individuales y colectivas. Sus cuadros han sido ampliamente expuestos, y además de en los países nórdicos, ha expuesto en la Galería T.A.G. de Nueva York, en el Museo Internacional Sunshine de Pekín y en la Galería de Arte JARFO de Kioto. En 2018 realizó su primera exposición retrospectiva en el Museo de Arte de las Islas Feroe. Además, ha creado objetos decorativos para iglesias y edificios públicos en las Islas Feroe.
Dos retratos de madres
El primer motivo del sello representa a la Madre Teresa en Eiði (2019). Vemos a una anciana sentada con su ropa de punto. Lleva ropa de diario, y en la mesa delante de ella vemos dos "drýlar" (panes de pan feroés sin levadura recién horneados) y una Biblia. Casi se puede oler el pan recién horneado, escuchar el ruido de las agujas de tejer y el suave susurro del calzado de lana tejido en el suelo. Un adorable perro yace a sus pies; en la pared vemos una foto de la Madre Teresa y la ventana de la cocina ofrece una maravillosa vista panorámica. Se trata de una pintura específica de un lugar y una hora de una cocina determinada en Yviri í Gjógv en Eiði, que muestra claramente la vista de Risin y Kellingin (el Gigante y el Hag, dos rocas en el mar cerca de Eiði). Este es en realidad el retrato de una mujer conocida por todos en el pueblo.
El segundo motivo del sello nos invita a entrar en la cómoda cocina de una anciana. La mujer parece segura, tiene brazos y manos grandes y fuertes. Lleva puesto un delantal y está en proceso de darle a su nieto un pedazo de pan. Miramos la mejilla de la abuela cuando se vuelve hacia el nieto. En el centro está el fuerte vínculo entre los dos. Una Biblia negra descansa prominentemente sobre la brillante mesa amarilla en primer plano, y en el extremo derecho detrás de la mujer vemos los contornos de una puerta abierta que enmarca visiblemente la pintura, tal como sucede en la primera obra. A pesar de la riqueza de los diversos elementos de las pinturas, todo parece muy equilibrado. La composición y las grandes superficies de color están serenamente equilibradas, y el color azul apagado en diferentes tonos mezcla el primer plano y el fondo, recogiendo las imágenes. Todo tiende a subrayar una atmósfera tranquila y segura.
Las mujeres mayores constituyen el tema principal en el arte de Sigrun Gunnarsdóttir. Ha pintado varias versiones de ellas durante casi dos décadas. Aquí, Sigrun ha pintado a su madre y a su abuela, pero la expresión precisa y sencilla indica que el motivo también tiene un significado humano general: un retrato de un arquetipo que resuena en todo el mundo. La madre sabia y cuidadosa, fortalecida por las luchas de la vida, confía en su creencia de un mayor significado y contexto en la vida. Una verdadera contra-imagen del individualismo egocéntrico de hoy.
El motivo de la madre del artista es bien conocido. En la historia del arte feroés tenemos ejemplos como la obra Painting of my Mother (Pintura de mi madre) de Sámal Joensen-Mikines 1934, Portrait of my Mother (Retrato de mi madre), hacia 1955 de Ruth Smith, My Mother (Mi madre), de Ingálvur av Reyni 1971, y The Artist's Mother (La madre del artista), de Zacharias Heinesen 1992. Todas estas pinturas tienen en común observaciones sinceras, expresivas y naturalistas mientras exploran intensamente la forma y el color. Sigrun Gunnarsdóttir hace una contribución bastante diferente a la historia del arte feroés, y su estilo es simple e ingenuo, por así decirlo, y simbólico.
Las pinturas de Sigrun Gunnarsdóttir cuentan historias. Además de los motivos, construye imágenes de símbolos, citas y otras cosas cotidianas edificantes. Uno de los sellos distintivos de Sigrun es su inclinación a comenzar con el cristianismo. Reconocemos sus símbolos porque migran de un cuadro a otro, y tanto si los símbolos proceden del cristianismo como si son de naturaleza más general, el contexto les da su significado, en estrecha interacción con el espectador, como algo natural. Como ejemplo, podemos notar la puerta que señala la transición de la vida mortal a un mundo invisible al otro lado, recordándonos que estas ancianas se acercan al final de su vida terrenal. Si observamos de cerca el primer cuadro, vemos un pequeño pájaro descansando en el suelo entre la mujer y su perro, mirando al pájaro en silencio. No hace nada por sí mismo, no requiere atención especial, pero es tan importante como el resto. Como un eco de la cita en la foto de la Madre Teresa en la pared: "Sé fiel en las cosas pequeñas porque es en ellas donde reside tu fuerza." Y por último, pero no menos importante, notamos los panes. En el cristianismo el pan representa, entre otras cosas, el cuerpo de Jesús, tanto para compartir como para la comida material y espiritual, tal como dice la oración del Señor "danos hoy nuestro pan de cada día". La obra de Sigrun Gunnarsdóttir trata de la vida de los seres humanos ordinarios, y en este contexto el pan puede representar simplemente algo tan básico como la necesidad de alimento espiritual común a todos. El segundo cuadro se llama Pan que saciará el hambre (2014). Aquí percibimos la proximidad de las generaciones que transmite la pintura. La pintura cuestiona nuestras memorias, lo que se siente al estar en casa y lo que la voz suave puede engendrar.
Mirjam Joensen
Historiador del Arte
